Free Marketplace

&#8220;An elevated highway – as one of Manchesterʼs strangest and most compelling modernist beauties – received the Concrete Society Award in 1968 and is recommended for an outing by the Manchester Modernist Society on their website: “At first sight this might seem an odd, even perverse choice, a mistake perhaps. Have we gone too far with this adoration of the brutal, this ugly ode to the car, all-around pollutant and bête noir of the green lobby, destroyer of much of central Manchester’s original pre-loft dwelling citizenry?” This is a strange creature, its engineered details and structure show sophistication and extend their peculiar aesthetics to the large sunken traffic islands under the belly of the beast, all provided with bike and pedestrians tube-like subways. These are concrete gardens, savage and rough, habitats to wild animals and plants.
AG3 includes an interview with Richard Brook, Senior Lecturer at Manchester School of Architecture, member of the Manchester Modernist Society, and contributor to their magazine “The Modernist”. 
&#8220;

Architecture / Urbanism

Mancunian Way

&#8220;Der Spielplatz Falkenhorst geht auf eine Initiative der Anwohner*innen des gleichnamigen Wohnkomplexes am Stadtrand von Köln zurück. Die von 1968 bis 1970 errichtete Anlage besteht aus fünf Erschließungseinheiten mit sieben bis 15 Geschossen und mit insgesamt 350 Wohnungen, die von dem privaten Bauunternehmer Joachim Hahlbeck als Eigentumswohnungen vermarktet wurden. Bei einem Kaufpreis von etwa 500 DM/qm waren die in Plattenbauweise errichteten Wohnungen vor allem für junge Familien attraktiv, die in der Regel aus anderen Gegenden in das wachsende, aber immer noch weitgehend dörflich geprägte Porz zogen.
Den Texten von AG2 liegen Gespräche mit Klaus und Karin Gils und Dieter und Gerlinde Baumgart zugrunde; sie gehören zu den Initiator*innen des Spielplatzes. Klaus Gils war Vorsitzender der Interessengemeinschaft Im Falkenhorst e.V.&#8221;

Falkenhorst

AG1 documents a moment of the Golden Lane Estate in London. The story begins in an apartment on the 13th floor of Great Arthur House. The raw and ephemeral beauty of this small apartment, found in a stripped down in-between owners stage of renovation, is amplified by its bare design structure; this is an acute elaboration of resources that while enhancing qualities such as openness, accessibility and the expansive diffusion of natural light at building and unit level, it becomes also an instance of the architecture itself and 50 years of use carrying the entire estate.

Great Arthur House

Boiled Language is a collaboration between Ketuta Alexi-Meskhishvili and Kirsty Bell. The book was published on the occasion of Alexi-Meskhishvili’s solo exhibition of the same name at LC Queisser Gallery, Tbilisi, in December 2020. The publication features a group of new works by Alexi-Meskhishvili and an essay by Kirsty Bell.

Boiled Language

&#8220;Beim Einzug 1975 rochen die beiden Hochhäuser noch nach Baustelle. Das rote hatte 13 Etagen. Um das Unglück nicht heraufzubeschwören, benannten die Bewohner*innen die erste Etage um in „Galerie“. Bevor sie zu den Hochhäusern des Todes wurden, feierte man hier gemeinsam Errungenschaften und Erfolge der Arbeiterklasse und übte sich in Solidarität. Denn dort wohnten Lehrerinnen und Ärzte neben Bergarbeitern, Bosniaken neben Serben, Kroaten … – ein phantasmatisch verdichtetes Bild Jugoslawiens und des multikulturellen Bosniens. Die Aufzüge waren für die Bewohner*innen ein Zeichen der Urbanisierung und des städtischen Lebens. 
15 Jahre später begleiteten die Fahrstühle unerwünschte Bewohner*innen zur Hinrichtung oder wurden sogar selbst zur Guillotine. Zusammen mit den Schornsteinen der umliegenden stillgelegten Fabriken bilden die Häuser heute die Kulisse der bosnischen Stadt Prijedor und erinnern wie Grabmäler daran, wie eine einzigartige Welt durch den nationalistischen Terror besiegt wurde.
„Schindlers Lift“ (2018) ist das erste Prosawerk des in Prijedor/Bosnien-Herzegowina lebenden Theatermachers und Dichters Darko Cvijetić. Der Text wurde von dem Künstler Adnan Softić aus dem Bosnischen ins Deutsche übersetzt. 
32 erzählerische Fragmente bilden eine Struktur, in der die beiden Hochhäuser eher als Romanfiguren denn als reine Handlungsorte fungieren; eine Miniatur, die die noch unerzählte bosnische Tragödie und das Verschwinden einer Epoche wiedergibt.&#8221;

Literature

Schindlers Lift

Die Kooperative für Darstellungspolitik ist ein Studio für Ausstellungsgestaltung, das Ausstellungen als diskursive Räume begreift, deren Gestaltung gesellschaftliche Aushandlungsprozesse unterstützt. 
In einem einfachen Taschenbuch werden diverse Materialien zu etwa achtzig Ausstellungsgestaltungsprojekten der Kooperative für Darstellungspolitik aus den letzten zehn Jahren zusammengefasst. Skizzen, Pläne, Grafiken, Fotos, Modelle, Exponate, Diagramme, Prototypen, Meetings, Aufbauten und Referenzen fokussieren ausschnitthaft auf den Designprozess und seine konzeptionellen, sozialen und räumlichen Ränder. Den Gestaltungsansatz vermittelt weniger die fototechnische Abbildung von Endergebnissen als die Ausweitung der sozio-materiellen Entwicklung des Ansatzes selbst zum Prozessprotokoll. 
Der kooperativen Arbeitsweise entsprechend entstand die grafische Gestaltung des Buches in Zusammenarbeit mit Studio Matthias Görlich, NLF Team, Anna Voswinckel mit Till Sperrle, Lamm &amp; Kirch sowie HIT.

Design

Displaying Political and Cultural Concerns. Kooperative für Darstellungspolitik

&#8220;Die ökologische Frage ist nicht neu. Bereits vor über hundert Jahren entstanden in Reaktion auf die zunehmende Industrialisierung und Urbanisierung im Kapitalismus Denkmodelle und Praktiken, die sich in unseren heutigen Vorstellungen von Nachhaltigkeit wiederfinden. Mitunter auf vormodernes Wissen aufbauend und verstärkt durch die Erfahrung der sozialen und wirtschaftlichen Krisen nach Ende des Ersten Weltkriegs bildete sich eine Vielzahl von Reformbewegungen: vom gemeinnützigen Wohnungsbau bis zu anarchosyndikalistischen Siedlungen, von urbanen Selbstversorgergärten und ökologischem Landbau bis zu Konzepten einer kreislaufbasierten Abfallwirtschaft. In diesen Ansätzen spiegelt sich nicht nur ein systemisches Verständnis der Wechselwirkungen von Mensch und Umwelt, von Natur und Technik, sondern auch das wachsende Bewusstsein für eine sich die Lebensgrundlage entziehende Moderne. 
Die Kooperation zwischen dem Botanischen Museum Berlin, der Martin-Elsaesser-Stiftung, der Nachbarschaftsakademie im Prinzessinnengarten Kreuzberg und der neuen Gesellschaft für bildende Kunst (nGbK) hat 2019 zwei Ausstellungen, eine umfangreiche Film-, Gesprächs- und Vortragsreihe sowie ein selbst organisiertes Bildungsprogramm hervorgebracht. Im Austausch künstlerischer, wissenschaftlicher und politisch-aktivistischer Perspektiven auf Ökologie und Moderne wurde neben einer nachhaltigen kulturellen Wissensproduktion auch eine konkrete Zukunftsvision für einen dauerhaften Lernort, für…

Cultural Studies

Licht Luft Scheiße. Perspektiven auf Ökologie und Moderne

&#8220;Während die 1990er Jahre Berlins als Kunst- und Kreativmetropole gerade dabei sind, Geschichte zu werden, führt das Buchprojekt eine Archäologie der von ihnen verbliebenen Dokumente und Überbleibsel durch: Diese Erforschung der 1990er Jahre beschäftigt sich mit einer Zwischenzeit, die als „jüngstvergangene“ (Walter Benjamin) noch keine verbindliche Geschichte geworden ist. Mit Beiträgen von Ulrike Steglich, Stephan Geene, Bettina Allamoda, Waling Boers, Mo Loschelder, Manuel Zimmer, Carl Hegemann und Bernd Frank.
Diese Publikation enthält einen Download-Code zum E-Book sowie QR-Codes mit Zugang zum Video- und Soundmaterial.&#8221;

Never Mind the Nineties. Eine Medienarchäologie des Kunststandorts Berlin

&#8220;Zwischen 2013 und 2019 verfolgten die in Wien und Vancouver lebenden Künstler*innen Sabine Bitter und Helmut Weber gemeinsam mit dem Frankfurter Stadtsoziologen Klaus Ronneberger die Standortverlagerung der Johann Wolfgang Goethe-Universität Frankfurt vom Stadtteil Bockenheim in das Westend. Ihre künstlerische Recherche verschränkt die soziologische Analyse des Standortwechsels mit fotografischen Rückblicken insbesondere auf die Campusarchitekturen des deutschen Architekten Ferdinand Kramer aus den 1950er und 1960er Jahren. Eine umfangreiche Zusammenstellung von Bildern erinnert an die emanzipatorischen Potenziale dieser in Bockenheim verloren gegangenen Architekturen und „Räume des Wissens“ der Universität. Gerade jetzt – angesichts ihrer Entzauberung durch die neoliberale unternehmerische Wende – fordern Bilder und Beiträge erneut ein Verständnis von Universität, das die einstigen Versprechen der Bildungsmoderne auf Emanzipation, Demokratisierung und „Bildung für alle“ einlösen kann. Mit Texten von Ruth Horak, Klaus Ronneberger und Sabine Bitter &amp; Helmut Weber.
Die Reihe Bildungsmoderne/Educational Modernism erscheint in Kooperation mit Edition Camera Austria, Graz. 
&#8220;

Bildungsmoderne entzaubern. Johann Wolfgang Goethe-Universität Frankfurt

&#8220;Das Erstarken neurechter Bewegungen fordert die Designdisziplinen auf bislang ungewohnte Weise heraus. Denn der politische Erfolg der Neuen Rechten gründet zu wesentlichen Teilen auf gezielt eingesetzten Gestaltungsleistungen: auf effizientem Kommunikationsdesign in den Sozialen Medien, auf der subversiven Ästhetisierung von Protestaktionen, auf der gestalterischen Codierung ganzer Räume und auf einer Entpolitisierung von Gestaltung insgesamt. 
Die DGTF-Tagung 2019 nahm diese Entwicklungen zum Anlass, den Blick auf die Instrumente der eigenen Disziplinen zu richten: Was bedeutet es für Gestalterinnen und Gestalter, in einer Gesellschaft tätig zu sein, in der Völkisches und Nationalistisches zeichenhaften Ausdruck erlangt? In der kulturelle Identitäten beschworen werden, Ethnopluralismus zelebriert und Fremdenhass salonfähig wird? In dieser Dokumentation werden die Rolle der Medien, die Aneignung von Räumen, die Funktion von Grafiken und Dingen sowie die Organisation von Interaktionen beleuchtet, um zu erörtern, in welchem Verhältnis Designpraktiken und neurechte Ideologien stehen.&#8221;

Lechts und Rinks. Eine Auseinandersetzung mit dem Design der Neuen Rechten

&#8220;In den Designdiskursen und -praktiken um 1960 spielten systematische Methoden des Entwerfens eine bedeutende Rolle. In Bewegungen wie dem Design Methods Movement oder dem Creativity Movement wurden wissenschaftlich-rationale Arbeitsweisen auf Prozesse des Entwerfens übertragen. Produkte, Ideen und Erfindungen sollten gleichermaßen systematisch hervorgebracht werden. Zeitgleich lässt sich auch in der Kunst eine Hinwendung zu Systemen und systematischen Entwurfsmethoden ausmachen. 
Claudia Mareis und Michael Rottmann behandeln in ihren Beiträgen dieses historische Phänomen. Sie gehen der Frage nach, inwiefern der von den USA ausgehende Kreativitäts- und Methodendiskurs der Nachkriegszeit einerseits eine Gleichsetzung von Kreativität mit (vermeintlicher) Produktivität beförderte und wie andererseits die medialen Bedingtheiten und Grenzen systematischer Entwurfsmethoden in den Bereichen Design und Kunst reflektiert und kritisiert wurden.&#8221;

Entwerfen mit System

&#8220;AG8 dokumentiert das Schadensbild der Berliner Straßenbäume auf einer etwa fünf Kilometer langen Strecke um den Park am Gleisdreieck. Das Straßenbaumkataster erfasst für diesen Abschnitt 440 Bäume. 98 Bäume sind in diesem Heft fotografisch als geschädigt, abgestorben oder gefällt dokumentiert – wovon zwölf im Kataster bereits nicht mehr geführt sind. Die Fotografien zeigen gleichwohl nur die augenfälligen Schäden. Unsichtbare oder unscheinbare Schäden – wie Stammfäule oder eine schwer abbildbare Kronenauslichtung – sind nicht erfasst. Anlass der Dokumentation ist die wahrnehmbare Schädigung der Bäume im Zuge langfristig rückläufiger Niederschlagsmengen und Grundwasserstände – verstärkt insbesondere seit dem sogenannten Dürresommer 2018. Die Fotos und Katasterdaten in diesem Heft stammen aus dem Herbst 2019.
AG8 enthält zwei Interviews mit Felix Weisbrich, Leiter des Straßen- und Grünflächenamts Friedrichshain-Kreuzberg, und Christoph Schaaf, ehemaliger stellvertretender Leiter des Grünflächenamts Tiergarten.&#8221;

Berliner Bäume. Eine Bestandsaufnahme

From 1982 to 1994, the architect Pierre Pichard, commissioned by UNDP/UNESCO, documented the ruins and location of 2,834 pagodas, monasteries, and stupas built at the time of the empire of Bagan (11th to 13th century). Pichard’s work constitutes the first comprehensive survey of Bagan. This inventory, published by UNESCO and the École française d’Extrême-Orient in eight volumes from 1991 to 2001, was intended to comprise and secure the original historical substance of these monuments. Ironically, the inventory data and its archaeological reference map also provided a useful basis for the Adopt-a-Pagoda program launched by the military government of Myanmar in 1995. Up until 2011, the Department of Archaeology – under the behest of the generals – reconstructed more than 1,000 pagodas and built around 800 new ones. International conservation experts severely criticized this project, as it adopted a uniform scheme of building solutions when the historical evidence did not exist. AG7 is based on two text contributions by co-editor Clara Rellensmann: a glossary that gives an overview of the context and an interview with the former Director-General of the Department of Archaeology.

Bagan

Sumet Jumsai is one of the most popular architects in Thailand. His complex and diverse building practice is paradigmatic of fourty years of architecture history in Bangkok and beyond. A number of his buildings are unfortunatley currently endangered. In the course of a research about South East Asian architecture, Sumet Jumsai became the focus of interest for a series of AG numbers. Two interviews with Jumsai ensued in 2013 and 2014 in Cambridge and Bangkok respectively, with the documentation of almost all his buildings in Bangkok. AG6 retraces moments of Sumet Jumsaiʼs biography while concentrating on the documentation of the last days of his penthouse on top of the condominium complex he built in 1973 on the Chalermnit Court near Sukhumvit road.

House Jumsai

&#8220;AG5 documents the building of the former British Council in Bangkok, built in 1970 by architect Sumet Jumsai. 
The upper floor of the building is occupied by fashion label WWA with their cultivated taste for luxurious invisibility and includes a short interview with the three founders of WWA. A reprinted essay by architect and urban planner Brian McGrath gives a broader picture of the Siam area whose development accelerated at the time of the construction of the British Council and is today the city’s major shopping district. This text can also be read as a plea for the renaissance of the water-bound infrastructure of Bangkok. McGrath, now professor at Parsons School of Design, lived and taught in Bangkok for more than fifteen years.&#8221;

Siam Area/Former British Council

New release 2020

There are no signs saying „Caution, Slip Hazard“ on the rainy wet steps of the career ladder, even though these steps hold surprises that one can slide into. The fantastic tale about starting-from-the-bottom-arriving-at-the-top (social advancement) seems questionable and implausible. Less steep ascents are less straining.
In Slippery Stairs/Glitschige Stufen Leonie Nagel combines texts with diagrams and photographs. The texts are concerned with wage labor experiences. The diagrams describe paths with start and finish points and the photographs show staircases on which one can retrace such paths. However, it is often unclear whether the highest number of steps will take you to the top and if the first step is really the beginning, since the starting point cannot be the same for everyone, as much as it would be desirable.
Making use of an extended translation technique, the book is published simultaneously in German and English.

Slippery Stairs

New release 2021

Behandelt werden: Alte Feinde, Freunde, Zwänge, Landschaften, 
Entspannungsmöglichkeiten, Umgang mit unwirtlichem Raum u.v.m. 
Ist die Parkbank der einzige öffentlich-zugängliche Flecken Stadt, 
der zweckfrei und ohne Rechtfertigung aufgesucht werden kann? 
Was sind die physischen Indikatoren eines abschreckenden Ortes? 
Wie verhält sich Beton zu Angst in gleichen Teilen? Wird er hier nur 
herbeigesehnt, oder ist man ihm hier doch schon auf der Fährte? 
Jenem Ort, an dem nur noch informelles Material verstreut liegt, 
das jede_r aufsammeln kann, ohne das gleich leere Luft daraus wird.

Members Of Strong Interest

Hallo Leipzig – 27 ausgewählte Empfehlungen vom Café über den See bis ins Museum. Dieses Buch widmet sich der Stadt und porträtiert Gründer*innen, die ganz besondere Orte geschaffen haben. So wie das Hostel dreier Freundinnen, die jedes Zimmer von lokalen Künstler*innen gestalten ließen. Oder das Restaurant eines Mannes, der aus Israel nach Leipzig kam und uns zeigt, wie richtig guter Hummus schmeckt. Eines steht fest: Die Menschen hier sind kreativ. Es wird gedruckt, gepflanzt und ausprobiert. Plattenladen und Copyshop werden zum Begegnungsort, Braunkohle-Tagebau zu idyllischem Gewässer und Industriehallen zu Galerien. In Leipzig trifft Stadt auf Natur, Ost auf West und Jung auf Alt. 176 Seiten feiern die Vielfalt der ostdeutschen Metropole. Porträts, persönliche Interviews und fotografische Momentaufnahmen laden zum Entdecken ein.
Klimaneutral gedruckt auf 99% recyceltem Papieren, inkl. Risodruck, Paperback, offene Fadenbindung

others

Hallo Leipzig

Mauern nach der MauerPolitik des Raums im Neuen Berlin 
Anh-Linh Ngoim Gesprächmit Ola Gordowy
Im Jahr 2019 jährte sich der Fall der Berliner Mauer zum dreißigsten Mal. Der NeueBerliner Kunstverein und ARCH+ hatten das Jubiläum zum Anlass genommen,um mit der Ausstellung 1989–2019: Politik des Raums im Neuen Berlin und einem Begleitprogramm die urbanistische und architektonische Entwicklung der letzten drei Jahrzehnte zu analysieren und dieder Transformation zugrundeliegenden Kräfte offenzulegen. Denn das historische Ereignis bedeutete nicht nur eine geo-politische Zäsur in der Konfrontationzwischen Ost und West, sondern hattefür Berlin, wo die kapitalistische und dierealsozialistische Weltordnung räumlich unmittelbar aufeinanderprallten, ganzkonkrete stadtentwicklungspolitischeAuswirkungen. Diese waren das Ergebnis dreier Neomythen, die wir in dieserAusgabe analysieren: Mythos der Geschichte, Mythos des Marktes und Mythos der Kreativität.
Berlin sollte als Hauptstadt des wiedervereinigten Deutschlands „wiederhergestellt“ werden. Auf der politischen Ebene bediente der Neo-historismus, der mit der Behauptung einer vermeintlich Berlinischen Architektur begann, in erster Linie das Bedürfnis nach geschichtlicher Kontinuität und nationaler Identität. Doch der vehement geführte Architekturstreit der 1990er-Jahre verschleierte die eigentlichen Transformationsprozesse, die neben den genannten politischen Implikationen vor allem ökonomischer Natur waren. Schließlich sollte der Sieg…

Berlin Theorie

Editorial 
BERLIN PRAXIS 
VON HANDLUNGSOPTIONEN UND POLITISCHER VERANTWORTUNG 
Anh-Linh Ngo
Dieses Heft ist die zweite unserer beiden Berlin-Ausgaben, die wir im Nachgang zu unserer Ausstellung 1989–2019: Politik des Raums im Neuen Berlin herausgeben. Berlin Theorie hat eingehend die Stadtentwicklungspolitik seit der Wende untersucht und insbesondere den Zusammenhang der Neomythen Geschichte, Markt und Kreativität im Dienste des privaten Immobilienmarktes aufgezeigt. In dieser Ausgabe geht es nun vor allem um das gegenwärtige Bauen in und um Berlin. Wenn man so will, hat die erste Ausgabe von den verlorenen Kämpfen der Vergangenheit, etwa der massenhaften Privatisierung kommunaler Liegenschaften gehandelt. Aus diesen Fehlern müssen Schlüsse für heute gezogen werden. Dazu gehört eine Neuausrichtung der Bodenpolitik, wie sie sich im kommunalen Berliner Bodenfonds und der Stadtbodenstiftung niederschlägt. 
Dieses Heft fragt nun danach, wie praktizierende Architekt*innen wieder mehr Handlungsoptionen gewinnen können. Wir behandeln deshalb drei zentrale Aspekte, die zu einer neuen Berliner Praxis führen: die Ökonomie des Bauens angesichts des überhitzten Immobilienmarktes, die Entdeckung der Peripherie vor dem Hintergrund der Verknappung von Bauland in der Stadt, und die unter Planungsbüros wie bei der Kritik immer noch ungeliebte und missverstandene Frage der Partizipation. 
An letzterer ließ Ursula Baus erst kürzlich in einer Kolumne auf marlowes.de kaum…

Berlin Praxis

Europa 
Eine infrastrukturelle Ideologiekritik 
Anh-Linh Ngo
1504, über ein Jahrzehnt nach der Landung von Christoph Kolumbus in Amerika und wenige Jahre nach Vasco da Gamas Erschließung des südlichen Seeweges nach Indien um das Kap der Guten Hoffnung, sahen sich die Venezianer*innen in ihrer Vorherrschaft im Seehandel bedroht. Also schmiedeten sie einen Plan. Der Sultan von Kairo sollte dazu bewegt werden, ein gigantisches Infrastrukturprojekt zu unterstützen, mit dem sie ihre Macht­stellung wahren wollten: einen Kanaldurchstich durch die Landenge von Suez. Das Briefing, das der Rat der Zehn, das mächtigste politische Gremium der Republik Venedig, dem Gesandten in Kairo als Argumentationshilfe mit auf dem Weg gab, nimmt das Prinzip der Exter­nalisierung vorweg, das seitdem das Verhältnis zwischen Europa und Afrika bestimmen sollte: „Eigentlich machen wir diesen Vorschlag zu unserem eigenen großen Nutzen und zum möglichen Schaden und zur Gefahr für den Sultan und seinen Staat, aber Ihr werdet Euch bemühen, ihn so zu unter­breiten, dass er angenommen wird, und Ihr werdet ins­besondere deutlich machen, wie viele Vorteile dieser Kanal bringen wird“ (S. 176). 
Der Plan wurde jedoch fallen gelassen und der Suezkanal erst im ­19. Jahrhundert von den europäischen Kolonialmächten realisiert – ein Projekt, das über 100.000 Menschenleben kostete. Diese Geschichte, an die Ludovico Centis in dieser Ausgabe erinnert, verdeutlicht in nuce das, worum es in diesem Heft geht:…

ARCH+ 239, Europa - Infrastrukturen der Externalisierung

Wir sind nie human gewesen. Posthumane Architektur und algorithmische Planung
Arno Brandlhuber, Olaf Grawert, Anh-Linh Ngo mit Angelika Hinterbrandner 
Ein unauflösbares Problem des post­modernen Diskurses liegt in der Ambiguität des Präfixes „post-“. Während im allgemeinen Verständnis damit eine historische Epocheneinteilung und vermeintliche Ablösung der Moderne gemeint war, wird im diskursiven Sinne damit eher ausgedrückt, dass das moderne Denken komplexer werden muss und einer kritisch-reflexiven Weiterentwicklung, einer „Komplikation“ bedarf. Wie jedoch kann eine „Revision der Moderne“, wie sie Heinrich Klotz bei Betrachtung der Postmoderne konstatierte, eine kritische Infragestellung der modernen Grundsätze gelingen, ohne in die Falle des Revisionismus zu tappen?
Einer, der diese Komplikation nicht nur im philosophischen, sondern bewusst auch im technischen Sinne – wie bei einem Uhrwerk – produktiv gemacht hat, ist der französische Philosoph Bruno Latour, der nonchalant feststellte: „Wir sind nie modern gewesen.“1 Denn wenn modern sein heißt, nach wissenschaftlichen Grundsätzen zu handeln und eine „reinigende“ Trennung von Natur und Kultur, Technik und Gesellschaft, Mensch und Ding vorzunehmen, dann ist es uns in der Tat nie gelungen, diese Reinheit durchzuhalten. 
Latour schreibt: „Wenn man […] von Embryonen im Reagenzglas, Expertensystemen, digitalen Maschinen, Robotern mit Sensoren, hybridem Mais, Datenbanken, Drogen auf Rezept, Walen mit Funksendern,…

ARCH+ 236, Posthumane Architektur

For more than a decade, works of art made from plant material have been at the center of Olaf Holzapfel’s artistic practice. Since 2009, Holzapfel has been developing a group of works together with weavers from a Wichí family in Gran Chaco, Argentina. His works highlight the connection between humans as settlers and their surrounding landscape and emphasize the relationship between center and periphery, urban and rural. An example of this are the textile works and installations made from the cactus fibre Chaguar and presented in the publication Textile. These textile works were made in a collaborative process between the artist and the Wichí weavers Teresa, Mirta, Dionisia, Noelia, and Luisa Gutiérrez. In their beauty, the works combine contemporary aesthetics with the weavers’ knowledge of the colors and properties of the forest.

Textile

The motifs produced during time-intensive dyeing processes – which uses indigo, urine, and extracts of natural waste materials – are neither conventional fabric nor lace patterns, and they have only a distant relationship to batik painting. Yet, they are simulations and portraits of both.
Pattern Nor Painting starts in a batik Workshop in Bantul, Indonesia where an artist reconnects with her blank canvas and the batik techniques she learned from an artist in Serekunda, the Gambia many years ago. As documented in this publication Van Hoorebeke’s installations and performances deftly combine unique textiles and ceramics with production-chain goods, ranging from car parts to strawberry jam. Engaging with ages-old traditions of batik production for present-day communities and settings, her work embodies ancient craft, story-telling, time, female thinking, and above all, a connection to the natural world.

Pattern Nor Painting

Over a thousand years ago a form of material code emerged among the Andes mountains. By means of knotted ropes, called ‘quipus’, numbers and words were enacted. This publication The Andean Information Age knots together a universe of stories related to the quipu system, the history of its ongoing decipherment, and the disruption that this sensorial code may be able to trigger in our present.

The Andean Information Age

The book is published on the occasion of Olaf Holzapfel’s and Guido Yannitto’s exhibition at Schwartzsche Villa in Berlin in 2020–2021. It explores the connections of Holzapfel’s and Yannitto’s textile works with the works by Wichí weavers, and asks about new forms of collaborations involving different communities and their forms of knowledge. Both are interested in the landscape, urban grids, routes and forms of knowledge, lost textile histories, the relationship between crafts and visual arts – and it is about forecasting what new models can be in the face of historical oblivion between city and country. What might the local ecologies; the forms of exchange of tomorrow look like?

Blaues Gras entlang der Flüsse – Pasto azul a lo largo de los ríos

„In Reto Pulfers Sci-Fi Roman Gina gibt es weder ein prä-existentes Innenleben und eine davon unabhängige Außenwelt noch ein kohärentes Subjekt namens ‚Gina‘. Hingegen besteht ihr Inneres aus purem Außen, und darum besteht sie aus vielem.“ – Anselm Franke
Zum Todesrhizom! Kommt schon, ihr müden Bildschirmschoner! Macht was! Wer nichts macht, der stirbt! Ihr habt nicht umsonst die Apokalypse überlebt!
304 pages of mind-massaging, language-fermenting, botanical-sci-fi exorcism. English translation available in spring 2022. Published in collaboration with Kunstmuseum Olten and Fundaziun Nairs.

Gina, ein zuständiger Roman

<span data-sheets-value="{"1":2,"2":"Jupiter is the monograph of the artist Andreas Sell by the curator Joel Mu and the outcome of their collaboration. It includes a selection of Andreas’ work of the last fifteen years, an essay in five parts by Joel and a poem by Alice Heyward. Andreas’ work often coincides with his life story, composing both a material and immaterial narration. Joel shares biographical and autobiographical stories in his writing about Andreas’ work. The narratives intertwine. Personal experiences, memories and relationships take shape with matter, images and words trying to make sense of the world—its social conditions and politics, other people and life itself. Jupiter is about Andreas Sell’s ‘Life Performance’ as the title of the book suggests; it explores life performance from the constant position of a foreigner, from a viewpoint on the side. Andreas and Joel reflect on identities and challenge categorization; they seek for a more inclusive sense of belonging and defend the multiplicity of oneness. Jupiter also defies categorization; it is a monograph, but also a biography, an autobiography, a catalogue, an artist book, a diary, a collective work on one person’s work."}" data-sheets-userformat="{"2":513,"3":{"1":0},"12":0}">Jupiter is the monograph of the artist Andreas Sell by the curator Joel Mu and the outcome of their collaboration. It includes a selection of Andreas’ work of the last fifteen years, an essay in five parts by Joel and a poem by Alice Heyward. Andreas’ work often coincides with his life story, composing both a material and immaterial narration. Joel shares biographical and autobiographical stories in his writing about Andreas’ work. The narratives intertwine. Personal experiences, memories and relationships take shape with matter, images and words trying to make sense of the world—its social conditions and politics, other people and life itself. Jupiter is about Andreas Sell’s ‘Life Performance’ as the title of the book suggests; it explores life performance from the constant position of a foreigner, from a viewpoint on the side. Andreas and Joel reflect on identities and challenge categorization; they seek for a more inclusive sense of belonging and defend the multiplicity of oneness. Jupiter also defies categorization; it is a monograph, but also a biography, an autobiography, a catalogue, an artist book, a diary, a collective work on one person’s work.

Jupiter: Andreas Sell ‘Life Performance’

Published by the CAPC musée d’art contemporain de Bordeaux in collaboration with BOM DIA BOA TARDE BOA NOITE, this reference book surveys the history of the independent publishing house Beau Geste Press (BGP) through the publications of its founding members Felipe Ehrenberg, Martha Hellion, David Mayor and Chris Welch, and of the numerous visitors to its rural outpost – visual poets, neo-Dadaists and artists affiliated with the Fluxus movement – from 1971 to 1976. A ‘catalogue dé-raisonné’ of all the printed matter produced by BGP, it is complemented by critical essays and first-hand texts that explore the working methods (economy and autonomy of production, distribution of books via post) and document the international influence of this short-lived ‘community of duplicators, printers, and artisans’.
Designed by Studio Manuel Raeder and edited by curator Alice Motard, this richly illustrated 472 page-book follows on from the exhibition Beau Geste Press, shown at CAPC from 2 February to 28 May 2017. This publication, which was long in the making, is in itself a collective labour of love that brings together a worldwide network of friends and collaborators: it is dedicated to them, to Beau Geste Press and to its extended family.

Beau Geste Press

This publication Sobre El Río (Passage) tells of the journey of a photographic research of the origins of cumbia music along the lower Magdalena river in Colombia.
The Magdalena river marks the birthplace and distribution system for cumbia music, which in its beginnings, dating back to the colonial era, was a prohibited ritual dance and one of the ways in which the indigenous and African populations interacted. Musically, it is made up of a combination of African rhythms, indigenous instruments, and Spanish lyrics. Since the 1950s cumbia has spread beyond Colombia to the working-class neighbourhoods in Latin America, adapting and picking up local specifics at each place.
The Magdalena river also stands for one of many rivers in the world that acted as distribution channels. It speaks of water cultures, which, located along rivers, have absorbed very different influences from the interior of the countries and the world – making them multifaceted and thoroughly mixed. This becomes evident in the music as well.
The publication includes photographs, recordings of conversations with cumbia musicians, and short texts about the journey.

Music

Sobre El Río (Passage)

Stickers presents itself as a genre of artist books on its own. The book demonstrates Anna M. Pasco Bolta’s works, including various techniques, within the genre of stickers, and explores the idea how objects can exist in two states: as objects themselves, and as their images. 
Every copy of the edition is unique and overflowing with stickers waiting to be stuck on. The stickers act as a medium for displaying all content: artwork, text, sponsor logos, ISBN and barcodes, giving a certain autonomy to the images. Thus, Stickers is a changing and pluralistic platform that allows an approach from the audiences individual point of view to Pasco’s work and emphasizes the importance of action and interaction for the perception of reality.

Stickers

The circus is a drama that extends its own means, and the metaphor of its name (itself clowning around with the word) is widespread across the art industry, financial world, and, of course, anything to do with performance. For four years during the mid-aughts, photographer, video and film artist Ieva Epnere immersed herself in the life of the Riga Circus – a type of traditional circus that cherishes the respectful use of animals, operating on a circus-family model (skills are passed down through generations to produce family units that travel and live on the road), and the big top tent (the landmark interior of one of the oldest circus structures, built for this purpose in Europe since 1888) as a performance space.
This publication, that was developed during Ieva Epnere’s fellowship with the Artists-in-Berlin Program of the DAAD, symbolically marks four stages of her single, larger work. Fine-tuned digital color shots, a collection of black-and-white 35 mm film prints showing action at the Riga Circus, followed by a burst of color shots and black and white photos taken on a film camera, to end with a set of intimate black-and-white portraits of the performers. Whereas the conversion of circus into text might to some degree be a violation of the true nature of its subject, Ieva Epnere’s book – with the help of elephants, clowns, all the “freakery,” and her kaleidoscopic peek into the machinery that makes performances in the arena possible – itself stands as an adventurous act…

Rīgas cirks Riga Circus

Sandra Mujinga’s recent exhibition at Bergen Kunsthall presented a large-scale video installation together with a selection of sculptural works and photographs. Drawing on Afro-futurist strategies, the exhibition investigated concepts of invisibility as survival strategies, both as a speculative gaze at the future and in relation to the political reality of our time. The exhibition was Mujinga’s largest solo-presentation to date and will also be on view at Vleeshal, Middelburg, 20.9 – 13.12.2020.
The publication SONW – Shadow of New Worlds includes a specially produced visual essay, conceived as an animation in book form. The images are stills from footage captured of an elephant outside of Johannesburg, digitally treated and presented as a series of close-ups of the elephant’s skin. The publication features contributions by Sandra Mujinga, Wong Bing Hao, Tamar Clarke-Brown, Olamiju Fajemisin, and Jessica Lauren Elizabeth Taylor.

SONW – Shadow of New Worlds

When Mette Winckelmann moved from Copenhagen K, a city center area, to Copenhagen N, near Nørrebros Runddel, her eyes immediately caught the strip of clothing stores that is a landmark of this specific area. One of them is LAILA UTI, located on Nørrebrogade 82. The lettering on the facade suggested that a B and a K were once part of the store’s name: LAILA UTI used to be LAILA BUTIK. Perhaps, at one point, the store even presented as LAILA UTIK or LAILA BUTI, that is if the letters did not go missing at the same time. Either way, the change of name also changed the store’s character and identity, if only in how its name is pronounced. Loss and letting go is also part of the history of the actual the book. The documented objects fade into each other in digital layers, creating new potentials in the absence of the letter Y (and consequently the colour yellow) in CMYK.
LAILA UTI is published on the occasion of the exhibitions with the same name by the artist Mette Winckelmann at Viborg Kunsthal, and LAILA UTI / ULLA TILA at Augustiana in Denmark in 2019-2020. It contains, among other things perspectives on transformations, actions, paintings, clothing, architecture, patchwork, textile, scenography, building materials, concrete, patterns and layers.

Laila Uti

This publication El Plástico, the Sun that lives inside the Rock is an observation on evolution of material plasticity, it is a story about plastic whose native land is Mesoamerica. It explores the past, present and future of plastic through encounters with various people — a weaver from Oaxaca, a taxi driver, a sociologist working on trash collection in Mexico City and the owner of a small family-run plastic factory. The book contains a polymorphous project resulting from several years of research by artist Viktorija Rybakova and designer Goda Budvytytė, it also includes a conversation between philosophers Kristupas Sabolius and Catherine Malabou, and essays by Post Brothers and Chris Fitzpatrick.

El Plástico, the Sun that lives inside the Rock

Nick Mauss’ artist’s book comes in the form of a postcard accordion with a wrap-around cover sleeve, reproducing artworks presented as part of his contribution to HERE AND NOW at Museum Ludwig: Transcorporealities, curated by Leonie Radine. Featuring works by George Brecht, Inge Schmidt, Jack Smith, Max Ernst, and Mauss, amongst others, this leporello recalls the juxtapositions and interrelationships among artworks and performers brought together within the permanent collections galleries of the Museum Ludwig for the duration of the exhibition, confounding representations of the body, the utterance, and the event.

Treatise on the Veil

The catalog is published on the occasion of Sergej Jensen’s extensive solo exhibition at Staatliche Kunsthalle Baden-Baden in 2017. With over 40 works by the artist living in New York and Berlin, the show was presenting a selection of works from 2001 to the present. The publication contains texts by Mark von Schlegell, and Magnus Schaefer.

Sergej Jensen 2017

This book was published on the occasion of the artist’s solo exhibition, Zona de Crepúsculo, at the Iberê Camargo Foundation, Brazil, in 2018, curated by Bernardo José de Souza. The following texts are a rendering, in written form, of monologues included in his performance The Zone, 2015-2018. The artwork consists of an after-hours tour in and around a given exhibition space, where a series of found narratives are performed by the artist.
With psychoanalysis and literature as his usual starting points, Pablo Pijnappel’s works are meta-narratives that poetically combine cultural, historical and ancestral identities through the prism of memory. Language always plays a leading role in uniting mental mechanisms and the world, in video installations, texts, or performances that lie at the crossroads between cinema, photography, and fragments of prose.

Beyond Imagination / A Zona de Crepúsculo

The publication documents the exhibition Ne voulais prendre, ni forme, ni chair, ni matière by Daniel Steegmann Mangrané at the Institut d’Art Contemporain de Villeurbanne, France in 2019. Furthermore, it includes first translations into French of the Poems of Stela do Patrocínio, a Brazilian outsider poet who has longly inspired Steegmann Mangrané in his research.

Ne voulais prendre, ni forme, ni chair, ni matière

The publication, presenting the artist’s own classification system, is a congenial travel companion into the world of Michael Beutler’s artistic practice. It functions as a field guide and helps to decipher his heterogeneous production via its components, tools and production methods in relation to specific sites and situations. The texts give insight into the background story and construction of each work based on various specifications.

Things in Slices

Eamon Ore-Giron’s first artist book pairs paintings from his ongoing Infinite Regress series with original poetry by scholar Edgar Garcia, offering a rich linguistic and visual context for understanding Ore-Giron’s work. Rendered on raw linen, Ore-Giron’s brightly-hued paintings fuse the tradition of Peruvian goldwork with the geometries of hard-edged abstraction. His compositions evoke the cosmos and notions of an ancient global architecture, creating optical play and a multiplicity of planes on the canvas. Garcia has written “poetry thick with” abstraction, exploring the role of the formal and theoretical within Ore Giron’s work through his own research and work exploring the hemispheric literatures and cultures of the Americas. His “Tractatus” examines the apprehensibility of origins in their visual and poetic forms, and traces a contemporary conception of origins in the knot, fold, crushed stone, haunted bone, and constellation of everyday emergencies.

Infinite Regress

This is a speculative novel about the influence of artificial intelligence and accelerating technological progress on our human interactions.

Poetry

Sun of an Ignored Putrid Productivity

Q: What did you do exactly? A: first, we invited a selection of graphic designers to Otl Aicher’s &#8220;Institut für analoge Studien&#8221; in Rotis,. Over two days these designers were interviewed in a myriad of ways by graphic design students from Karlsruhe University of Arts and Design.

Questions? - Looking for answers in the middle of somewhere.

Thoughts, strategies and references collected while researching graphic design as a reflective practice in public places.

Hard Looks, Soft Matter

A collection of stories that might be real or not.

Toby: a friendly party animal

Stories that might be real or not.

Samantha: in her 20s

An anthrology from, about and inspired by cellars.

Im Keller

Two gnomes sharing breakfast in silver forest and other short stories meditating the craft of storytelling.

SHORT STORIES VOL. I 2021 (LIGHT EDIT)

A story by Kurt Vonnegut told in interconnected pictograms like never done before.

2BROB2 X FLEFIXX

IKEA coloured observations of an IKEA in Beijing.

Photography

Ikea.cn

The 6th issue of Materials for Scenography and Exhibition Design is concerned with the depiction of ethnographic artefacts in western-European art books. Visual research and categorisations are accompanied by an annotated text on colours in the museum.

Magazin

MAS 006

LINCOS Hans Freudenthal: My purpose is to design a language that can be understood by a person not acquainted with any of our languages or even syntactic structures. I call it Lingua Cosmica. It will be based on mathematics. 
 Transmitter: Mathematics is the most abstract subject we know. 
 Receiver: But a subject that is universally known.

Lincos

&#8220;Im Sommersemester 2018 hatte Prof. Julia Kröpelin die Idee, einen Teil ihres Büros in einen Ausstellungsraum zu verwandeln. Das Projekt CHAMBRE startete damit und dauert weiter an. 
Eine erste verbindliche Form, künstlerische Ideen zu prüfen und zu entwickeln, kann der konkrete architektonische Raum sein. Die vielen Möglichkeiten, Zeichnung in den Raum zu bringen, bieten immer wieder andere und neue Erkenntnisse. So kann eine Zeichnung die Wände des Raumes als Präsentationsfläche nutzen und das Verhältnis von Raum und Gegenstand untersuchen. Wandzeichnung hat das Potenzial, einen Ort in einen anderen zu verwandeln. Zeichnung kann ein Teil des Raumes werden und ein einfacher zeichnerischer Eingriff kann den Raum umdeuten. Raumzeichnung kann in die physische Wahrnehmung des Ortes eingreifen und räumliche Gewichtung verändern. Die Dominanz — die Tatsache des vorhandenen Raumes, birgt das Potenzial eines natürlichen Widerstands in sich, der es vermag, künstlerische Vorstellung zu provozieren. So funktioniert der unbearbeitet reale Raum wie ein Gegenbild, an dem sich der künstlerische Entwurf schärfen lässt. 
Anders als in den Kursen der Grundlagen, ist das CHAMBRE ein Raum, in dem ich nicht lehre. Ich übergebe ihn den Studierenden mit dem Hinweis, dass das, was sie dort realisieren, ohne meine Mitsprache geschieht. Erst wenn eine Arbeit dort abgeschlossen ist, sprechen wir darüber.
Gestaltung: Julia Kröpelin, Martin Nielebrock 
Redaktion: Julia…

Chambre #1–7

&#8220;Zurück auf Ende – eine Auseinandersetzung über Entstehen, Bestehen, Vergehen und Neuanfang. Denn Beständigkeit sowie der permanente Kampf gegen die Vergänglichkeit sind zwar wiederkehrende Motive in sämtlichen Designdisziplinen, doch können sich Gestaltende auch der subtilen Forderung nach Endlichkeit kaum entziehen. Innovationen, Moden und Trends finden schließlich nur Platz, wenn ihre Vorgänger fristgerecht weichen. So widmet sich die achte Ausgabe des Neuwerk zwar dem Ende, währt aber auch den Anfängen und erkennt beide Entitäten als Quelle potenzieller Kreativität und iterativen Tuns. Unser gemeinsames Nachdenken über Werden und Vergehen, welches wir nicht nur als Gegensätze, sondern als untrennbaren Nexus verstehen, untersucht Artefakte auf ihre Haltbarkeit, erforscht den vermeintlichen Tod und hinterfragt seine Narrative, Symbole und Zeichen. Endzeitstimmung? Gewiss nicht!  Das Leitthema wird in den Artikeln des Redaktionsteams sowie zahlreichen Gastbeiträgen interdisziplinär kontextualisiert. Auf 212 Seiten reflektieren verschiedene Formate vergangene, gegenwärtige und zukünftige Designphänomene oder solche, deren Enden vielleicht längst vorprogrammiert sind. Das Neuwerk – Magazin für Designwissenschaften der Burg Giebichenstein Kunsthochschule erscheint jährlich und wird federführend von den Studierenden des Masters Design Studies kuratiert und vom Kommunikationsdesign gestalterisch eingebettet. Es wurde 2009 von Eva Kristin Stein und Florian Walzel im Rahmen…

Discourse / Philosophy / Theory

Neuwerk Magazin #8 : Zurück auf Ende

&#8220;»Monsters In My Pocket« is a tribute to the monster-plastic-action-figure-pop-culture-world of the late 80s and early 90s. Back then Mara Heuer discovered her love for monsters when she was a young child. 
After one year of research and after collecting over 900 monster toys of the decade of her early childhood, Mara Heuer let myself fall into this crazy world of 90s children tv pop culture. Surrounded by cartoons, commercials, movies, comics and action figure toys, I mashed everything up to around 200 collages and created my own wild monster world. This world is mostly very colourful, sometimes a bit darker – more nostalgic or reflective – but always between the endless feeling of fun and the thrilling feeling of a bit of creepiness.&#8221;

Comic / Graphic Novel / Illustration

Monsters In My Pocket

Eine Sammlung von 14 Knoten jeweils gepaart mit einer kurzen Geschichte, die von der metaphorische Vielfalt des Knotens inspiriert ist.

Book of Knots

&#8220;Alle wollen Superkräfte und das Streben nach ewigem Leben ist uralt. Die Natur soll überwunden, die Krankheit Tod geheilt werden. Das Buch »Prove your Love: Bring your Lover Edelweiss« erzählt in Text und Bild von diesen Phänomenen, die im zeitgenössischen Diskurs noch immer aktuell sind. 
Satz und Gestaltung: Maren Zünkler&#8221;

Prove your Love: Bring your Lover Edelweiss

&#8220;Das Filmplakat durchlebte in den letzten Jahrzehnten einen grundlegenden Wandel. Handgemalte Film- und Kinoplakate, wie sie bis Anfang der 2000er Jahre in Leipzig allgegenwärtig waren, sind heute gänzlich ausgestorben. 
Das Buch »Abgelöst« beleuchtet diesen Bruch aus einer persönlichen Perspektive: die Mutter des Autors und Gestalters Fabius Kossak hat zwischen 1996 und 2001 als Kinoplakatmalerin im Werbeatelier der Filmtheaterbetriebe Leipzig GmbH gearbeitet. In dieser Zeit gestaltete sie großformatige Werbeplakate. Über viele Jahre hat sie wenige der gestalteten Plakate aufgehoben, diese jedoch später entsorgt. 
Um herauszufinden warum, begab sich Fabius Kossack auf die Suche nach den verschollenen Plakaten und hinterlassenen Spuren der Filmthaterbetriebe. Neben der Sammlung verschiedener Fundstücke, setzt sich das Buch mit dem Thema der beruflichen Ablösung auseinander und nähert sich diesem mit gestalterischen Mitteln.&#8221;

Abgelöst – fragmentarische Darstellung eines Leipziger Werbeateliers

&#8220;Die Art und Weise, wie Kunst präsentiert und Inhalte reflektiert werden ist von großer Bedeutung. Wie können künstlerische Positionen interpretiert, begreifbar und durch interessante Kontexte erweitert werden? Wie kann die Zusammenarbeit mit Künstler*innen, Museen und Verlagen aussehen? 
Der Ausstellungkatalog ist in Zusammenarbeit zwischen der Gestalterin Luka Löhner und der Künstlerin Kathrin Sonntag zur Ausstellung, »Things Doing Their Thing«, im Kindl Museum, Zentrum für Zeitgenössische Kunst Berlin, entstanden. Das Buch will eine neue Sichtweise auf die Ausstellung ermöglichen, Multiperspektiven aufzeigen und eine Übersetzung der Ausstellungsräume ins zweidimensionale schaffen. Die gegenseitigen Bezüge der Arbeiten sollen klar werden und eine aktive Seh- und Leseerfahrung entstehen. Das Buch motiviert, einen eigenen Weg durch die zweidimensionale Ausstellung zu suchen.&#8221;

Things Doing Their Thing

Als Ausdruck des Widerstands kennt Protest viele Formen, so birgt auch die Typografie als Kommunikationsmedium großes Potenzial für aktivistische Handlungen. Wie kann typografischer Protest aussehen? Wie kann Schrift selbst zur Akteurin des Widerstands werden und autonom agieren? Welche Schriften tun das bereits und welche Funktionsweisen stecken dahinter? Die Arbeit »How letters resist« lässt sich als Schriftenkatalog verstehen, der eine Sammlung von protestierenden Schriftsystemen aus verschiedenen zeitlichen, räumlichen und gesellschaftspolitischen Kontexten portraitiert. Widerschriften, wie ich sie nenne, widersetzen sich. Dieser Akt des Widersetzens kann sowohl offensiv öffentlich als auch subversiv und versteckt stattfinden. So umfasst dieser typografische Exkurs Beispiele aus der Kryptographie, dem Hacking, dem aktivistischen, vielfältigen und nachhaltigen Typedesign und der Demonstration auf der Straße.

How letters resist

&#8220;»Fleisch!« is a book that doesn’t talk about meat, but tries to show meat, analyzing it in various aspects: cultural, anatomical, imaginative. 
»Fleisch!« represents a creative stream of consciousness, it wants to be a tool for reflection on the theme, but in silence. There is no text. There is no purpose of wanting to »teach« anything about meat.&#8221;

Fleisch!

Das kleine grünrosa schimmernde Buch, smartphonegroß und genauso schwer, enthält 16 Gedichte. Die kurzen, fragmenthaften Texte reflektieren die Konfrontation mit Digitalität und digitalen Endgeräten. Körperliche Sprache, die das Körpersein selbst ausdrückt, die Sehnsucht nach anderen Körpern statt immer gleich glatten Bildschirmen. Dabei spielt die Form des Buches selbst mit der Attraktivität von Geräten marktführender Tech-Produzenten: es liegt angenehm schwer in der Hand, ist seidig glatt und um den Titel schwarf lesen zu können, muss »hergezoomt« werden.

Uferlos schwappt er

&#8220;Der Moiré-Effekt ist eine meist unerwünschte Störung, die Druckprofis tunlichst vermeiden. Er entsteht durch die Überlagerung von Rastern oder Mustern, und der Effekt verändert sich, wenn man diese gegeneinander bewegt. Ein Moiré im Offsetdruck tritt klassischerweise entweder durch die Überlagerung des Druckrasters mit einer Struktur im Druckmotiv auf, oder aber das Druckraster reagiert mit einer bereits gerasterte Vorlage, so etwa bei der Reproduktion eines bereits gedruckten Motivs. 
Die Publikation zeigt Experimente aus der Offset-Druckwerkstatt, die das Auftreten von Moiré Effekten bei verschiedenen Rasterarten, Rasterwinkeln und Halbtonfrequenzen untersuchen. Das Entstehen störender Moirés ist bis heute nicht vollständig vorhersehbar, allerdings ist die Gefahr unbeabsichtigter Effekte inzwischen deutlich geringer geworden: Moderne Druckprogramme sind in der Lage, potentielle Konflikte mit Originalbildern automatisch zu erkennen und sie automatisch zu beseitigen. Es ist also nicht unwahrscheinlich, dass der Moiré-Effekt immer mehr aus Druckerzeugnissen verschwindet. 
Vor diesem Hintergrund stellt sich eine Gruppe von Studierenden der Burg Giebichenstein Kunsthochschule die spannende Fragen: Welches gestalterische Potential birgt dieser Druckfehler? Wir kann man den stöhnenden Effekt nutzen? Lassen sich die modernen Drucksysteme austricksen – und wenn, wie? Kann auch ein Moiré etwas scheinbar Unsichtbares sichtbar machen oder etwas Sichtbares unsichtbar?…

Cher Moiré

Publisher’s Choice

&#8220;Wer hat Angst vor Cyan (C), Magenta (M), Gelb (Y) und Schwarz (K)? Wer keine Lust auf einen Farbrausch hat, sollte diese Publikation lieber aus der Hand legen, denn wir bewegen uns durch ein breites Spektrum. Sowohl kulturhistorisch als auch als Experiment im Offsetdruck ist es unserer Meinung nach wert, sich mit Farbe zu beschäftigen. 
Das Musterbuch zeigt vier- und fünffarbige Offsetdrucke auf 23 durchgefärbten Papieren. Die Drucke dienen als Beispiele, aus denen sich ein grober Farbeindruck für das eigene Druckerzeugnis ableiten lässt und als Inspiration herangezogen werden kann. 
Begleitende Artikel betrachten Themen rund um den Regenbogen wie durch ein Kaleidoskop: fragmentiert, bunt und ohne Anspruch auf Vollständigkeit. Sämtliche Texte sind im Iris- oder Rainbow-Verfahren in einem Druckwerk und ausschließlich mit Restfarben gedruckt. 
Die Publikation ist im Rahmen des Kurses für experimentellen Offset and der Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle unter der Leitung von Marion Kliesch entstanden und wurde kollektiv konzipiert, gestaltet und geschrieben: Carla Westphäelinger, Cedric Schuster, Dayeon Auh, Fabius Kossack, Giulia Cabassi, Hannes Birkholz, Jakob Eskofier, Lorenz Bohlmann, Tara Fässler, Victoria Woywodt. &#8220;

Camp Rainbow

&#8220;Test Charts kommen hauptsächlich zum Einsatz, um bildgebende Geräte wie Kameras, Scanner, Drucker oder Monitore »optimal« einzustellen und zu kalibrieren. Diese Testbilder, die zum Beispiel von der Internationale Organisation für Normung (ISO) erstellt werden, legen einheitliche Standards für Auflösung und Farbmanagement fest. So können Ergebnisse zuverlässig reproduziert werden. 
Doch was steckt noch hinter diesen Bildern? Ein Blick in die Geschichte der Farbtestbilder zeigt, dass sie gesellschaftliche »Standards« manifestieren, die es zu hinterfragen gilt. Sexistische und rassistische Beispiele aus der Geschichte geben Kodaks »Shirley« Farbkarten, Fotografien von »Leader Ladies/China Girls« oder das »Indian Head« Testbild. 
Studierende der Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle analysierten vorhandene Testbilder und stellten ihre eigenen Alternative Test Charts her, um Farbe, Fotografie, Textur und Typografie im Offset-Druck zu testen. 
Eine Posterrolle enthält 12 Test Charts und zeigt Arbeiten von Anna Rupp, Anton Erdle, Franziska, Siewior, Luca Maier, Luisa Keintzel, Maria Plasczymonka, Mena Standhaft, Mateja Huff, Yuni Byun.&#8221;

Alternative Test Charts

»CUT« ist eine Sammlung von Siebdrucken, welche aus Scherenschnitten im Kurs manuelle Drucktechniken bei Georg Barber und Tobias Jacob entstanden sind. Jede*r Student*in aus dem 2. Studienjahr Kommunikationsdesign hat eine Seite gestalten und das Motiv wurde zweifarbig gedruckt.

&#8220;Diese zweite Publikation der Materialsammlung befasst sich ausführlich mit den Materialien und Methoden, die Teil von mehr als acht Jahren (2012–2020) praktischer Materialvermittlung waren. In der Ausgabe Burg Material – Hands-on Materials Education wird die kollaborative und praktische Arbeit der Plattform MAKE anhand von 20 Projekten mit den Schwerpunkten analog-digital, do-it-yourself, freies Experimentieren, partizipative Labore und spekulatives Design geteilt und vorgestellt. Außerdem wird die Burg Materialsammlung als lebendiges Archiv vorgestellt, das neben den ca. 750 Materialmustern die Ergebnisse aus den Workshops der Universität, studentische Arbeiten, persönliche Materialspenden, sowie Forschungsgespräche, Firmenpräsentationen, Materialausstellungen und Gastvorträge zusammenführt. Unterstützt wird die visuelle Dokumentation durch Referenzen, die weitere Informationen zu Materialherstellern, Projektvideos, inspirierenden Publikationen und Fallstudien zum Thema Materialverständnis und do-it-yourself liefern.  Eine gute Lektüre für Designer, Künstler, Pädagogen und (Change) Maker, die sich für die (materielle) Praxis auf dem Weg in eine nachhaltigere Zukunft interessieren. Mit Beiträgen von Prof. Aart van Bezooijen, Professor für Material- und Technologievermittlung, und Prof. Dieter Hofmann, Rektor der BURG.
Herausgeber: Prof. Aart van Bezooijen, Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle 
Redaktion und Lektorat: Aart van Bezooijen, Ulrike Mäder, Lorenz…

Burg Material – Hands-on Materials Education

&#8220;Die neue Ausgabe des Jahrbuchs der Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle widmet sich dem Schwerpunktthema In der Schwebe und beschreibt damit den Zustand und das Gefühl, welches die Kunsthochschule seit dem letzten Frühjahr begleitet. Auf über 150 Seiten sowie mit digital verfügbaren Beiträgen wird vorgestellt, wie die Corona-Pandemie den Hochschulalltag verändert hat. Mit dem Jahrbuch in deutscher und englischer Sprache stellt die BURG zudem eine Vielzahl an künstlerischer und gestalterischer Positionen von Studierenden, Lehrenden und Absolvent*innen vor, die im außergewöhnlichen Studienjahr 2020 entstanden sind.
Herausgeber: Rektorat der Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle 
Konzept: Silke Janßen, Julia Gollan 
Redaktionsleitung: Julia Gollan, Bert Sander 
Gestaltung: Fabian Steidl, Arne Winter 
Art Direction: Prof. Jonas Hansen&#8221;

Jahrbuch 2020

Zum 100-jährigen Jubiläum des Bauhauses im Jahr 2019 fand eine intensive Auseinandersetzung mit den Ideen des Bauhauses aus unterschiedlichen Perspektiven statt. Zahlreiche Institutionen, Wissenschaftler*innen und Gestalter*innen hatten sich zum Ziel gesetzt, die historische Bedeutung des Bauhauses sowie dessen Rezeption kritisch zu evaluieren, um die utopischen Potenziale für die Gegenwart produktiv zu machen. Tomás Maldonado formulierte einst so: »Wenn wir sagen, dass das Bauhaus heute erneut aktuell ist, denken wir an ein anderes Bauhaus«. Auch wir wollten uns in den Diskurs aus der Perspektive des Lehrgebiets Schrift und Typografie in den Gestalterischen und Künstlerischen Grundlagen an der Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle einbringen. Unter dem Motto »Learning/Unlearning from Bauhaus« untersuchten wir mit den Studierenden im Fachbereich Design die Grundideen des Bauhauses hinsichtlich der proklamierten »neuen Typographie« ebenso wie Methoden einer gemeinsamen kollaborativen Praxis. Während wir einerseits die Potenziale der »Bauhaus-Typografie« in verschiedenen Aufgabenkonstellationen ausloteten und uns typografische Herangehensweisen aneigneten, versuchten wir andererseits durch die Methode des »Verlernens« eine eigenständige Position jenseits des kanonisierten Bauhaus-Vokabulars zu entwickeln. Diese Publikation gibt einerseits einen Einblick in die unterschiedlichen typografischen und schriftbasierten Aufgabenstellungen. Andererseits zeigt sie die entstandenen…

Learning/Unlearning from Bauhaus

&#8220;Die 2021 erschienene Publikation »welt erfahren« ist ein Plädoyer für internationalen Austausch an und mit der BURG und zugleich Dokumentation von Projekten, Erfahrungen und Gesprächen der vergangenen Jahre zu diesem Thema. 
Wie ein roter Faden ziehen sich die Bilder der gleichnamigen Ausstellung in der Burg Galerie, die 2019 stattfand, durch das Buch, die Arbeiten von Studierenden und Alumni aus Kunst und Design der BURG zum Thema vorstellen. Diese sind in ihrer künstlerischen Herangehensweise weltoffen, kritisch, problembewusst, interkulturell. Kurze Texte zu den Werken vertiefen ihre Qualitäten. Verschiedene Autor*innen führen in Texten zum studentischen Leben an der BURG, zu Kooperationen u.a. mit Kunsthochschulen in Istanbul, Havanna und Tbilisi vor Augen, wie relevant und befruchtend der internationale Austausch vor Ort und in anderen Ländern für die künstlerische Lehre ist.
Herausgeberin: Dr. Jule Reuter, Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle 
Redaktion: Dr. Jule Reuter, Silke Janßen, Sarah Nicol, Rolf Wicker 
Gestaltung: Torsten Illner, Tobias Jacob 
Mit Beiträgen von Dr. Nike Bätzner, Dr. Veronika Biermann, Anna Berkenbusch, Philip Gaißer, T. Melih Görgün, Dieter Hofmann, Rolf Wicker u.a.&#8221;

welt erfahren

Narr – das narrativistische Literaturmagazin publiziert seit 2011 Stimmen, die anderswo noch nicht gehört werden. Damit bietet es Leser*innen einen Einblick in die Literatur der Zukunft und jungen Schreibenden eine Plattform für erste Schritte im Literaturbetrieb. Das Magazin erscheint drei Mal jährlich, unregelmässig werden sorgfältig gestaltete Sonderprojekte realisiert. Über 260 Autor*innen haben im Narr publiziert und es zu einem der wichtigsten Schweizer Literaturmagazinen gemacht.

Narr #14

Narr – das narrativistische Literaturmagazin publiziert seit 2011 Stimmen, die anderswo noch nicht gehört werden. Damit bietet es Leser*innen einen Einblick in die Literatur der Zukunft und jungen Schreibenden eine Plattform für erste Schritte im Literaturbetrieb. Das Magazin erscheint drei Mal jährlich, unregelmässig werden sorgfältig gestaltete Sonderprojekte realisiert. Rund 200 Autor*innen haben im Narr publiziert und es zu einem der wichtigsten Schweizer Literaturmagazinen gemacht.

Narr #15

Narr #18

Narr #19

Narr #20

Narr #21

Narr #22

Narr #24

Narr #25

Narr #26

Narr #27

Narr #28

Lorem ipsum dolor sit amet consectetur adipisicing elit. Quisquam aut nihil quis placeat aspernatur! Quia architecto molestias eaque sit voluptatibus, quasi reiciendis? Eos hic ducimus, ipsa nemo eligendi doloremque perspiciatis tenetur rem maxime libero labore earum voluptates placeat atque optio dignissimos repellendus? Minus facere quae officia? Ab laudantium, libero doloremque ullam tenetur repellat animi, deleniti architecto quisquam atque ad omnis?

Narr #29

Narr #30

&#8220;»Bis vor Kurzem hatten kritische Auseinandersetzungen mit der Fotografie eines gemeinsam: Sie alle gingen von der impliziten und unumstößlichen Annahme aus, dass Fotografien Medien sind, denen man sich visuell annähern muss; sie nahmen es als gegeben an, dass Fotografien dazu da sind, angesehen zu werden, und sie waren sich alle einig, dass es allein die Praktiken der Betrachtung sind, durch die die Geheimnisse der Fotografie entschlüsselt werden können. Welche Interpretationen auch immer sich daran anschlossen, die Priorität des Sehens in Bezug auf das Bild blieb davon unberührt. Der Triumph des digitalen Bildes als zeitgenössische Form der Fotografie erzwingt jedoch eine Neubewertung der Sichtbarkeit. Denn das digitale Bild macht für alle offenkundig, dass das Sichtbare nicht für alles stehen kann, was mit Bildern geschieht, die ihr Leben als binäre Daten beginnen, dann algorithmisch verarbeitet und zu verschiedenen Punkten eines Netzwerks nicht als individuelle Bilder, sondern als Datenpakete geschickt werden.«
Die acht Essays in diesem Band skizzieren eine Philosophie der Fotografie im Zeitalter des Digitalen: eine Philosophie der Fotografie, die mit der immer fragmentarischeren, nicht mehr dualistisch begreifbaren Welt reagiert, zu deren Beschreibung die vertrauten Denkmodelle der Repräsentation nicht länger taugen.&#8221;

Fotografie nach der Philosophie. Repräsentationsdämmerung

&#8220;«Ich streichelte sanft seinen Rücken auf und ab. Ich war noch nicht bereit, ihn zu küssen. Er wartete ein wenig und drückte mich stärker an sich. Dann liess er mich los. „Was hast du nur, Azra?“, fragte er mich. Ich fing an zu weinen, aber ich mochte nicht reden. Ich hatte so viel Angst. …»
«Der helle Sklave, der dunkle Gott» von Kristina Schippling&#8221;

Narr-Groschen Vampir

&#8220;«Sie setzt sich auf den weissen Chesterfield, schlägt die Beine übereinander und öffnet die Perlenkette. Er steht vor ihr, denkt, ich ziehe dir die Haut über die Ohren, er zieht ihr die Schuhe von den Füssen, er zieht an den Seidenstrümpfen…»
«Das Kastanienbankett» von Romana Ganzoni&#8221;

Narr-Groschen Erotik

&#8220;«die karibik ist gleichzeitig und in dieser reihenfolge hölle und paradies. projektionsfläche, chimäre – &amp; zugleich brutal real. hier herrscht eine masslose freigiebigkeit der natur, vom essen bis zu den menschen. überfluss, überbordende sinnlichkeit. die schwüle hitze macht einen ganz kirre &amp; erotische verheissungen sirren wie pheromone durch die flimmernde luft…»
«piraten der schildkröteninsel: die kuriosen &amp; abstrusen abenteuer des pablo picapollo» von Pablo Haller&#8221;

Narr-Groschen Karibik

«Als er sich die Rötungen erneut unter der Lupe besah, fragte er sich, was seine neue Nachbarin wohl dazu sagen würde. Und noch während er darüber nachdachte und sich unter ihrem Klingelschild „Heilpraktikerin, TCM und Auramassage“ mehr vorzustellen versuchte, blitzte plötzlich etwas in ihm auf: Statt die Haut der Patientin sah er die gebräunten Arme Marinics vor sich und den sanften Schwung ihres Bizeps, wenn sie die Kisten trug. Das brachte sein Blut in Wallung. Jon-Peider kniff die Augen zusammen und gab sich vertieft, um dem schönen Bild noch ein paar Sekunden ungestört nachzuhängen…»

Narr-Groschen Bergdoktor

Nüchtern betrachtet erscheint die Welt viel zu absurd, als dass ein ernsthafter Umgang mit ihr noch adäquat erscheint. Ernst ist eindeutig und klar, das passt kaum noch zu einer Gegenwart, die längst über ihre Mehrdeutigkeiten aufgeklärt ist. Da wird Humor zur letzten angemessenen Haltung gegenüber einer Moderne, die uns vornehmlich absurd erscheint. Brauchen wir also eine neue Humorkultur? Die Epilog hat nach Anknüpfungspunkten für eine gewitzte Haltung zu unserer Zeit gesucht.
Authors: Viola Kristin Steinberg, Fabian Ebeling, Jennifer Beck, Steffen Greiner, June Drevet, Kristina Kaufmann, Chris Möller, Rudi Nuss, Yoshiko Jentczak, Viola Kristin Steinberg, Yulia Wagner, Sarah Bergmann, Diana Decker, Ann-Kristin Ziegler, Mara Hofacker, Verena Mühlegger, Nastassja Boreyko, Lisa Dreier, Friederike Schneider, Hans-Jakob Gohr

Die Epilog, Ausgabe 4 – Humor. Mehr als Spaß

Wir konnten alles werden, sind es aber nie geworden. Warum? Weil wir pragmatisch sind. Doch die Wahrscheinlichkeit ist groß, sich ein Leben lang zu fragen, ob man richtig entschieden hat. In der Rede darüber, etwas zu verpassen oder verpassen zu können, spricht man im Konjunktiv. Hätte, könnte, wollte. Er hat etwas Anziehendes, Attraktives, Lebenswertes, der Konjunktiv. Aber auch die große Frage, was werden könnte, steht im Konjunktiv. Das kann frustrieren, macht aber auch große Ideen und Utopien möglich. Nur wer sich alle Möglichkeiten bewusst macht, kann sie auch nutzen.
Authors: Viola Kristin Steinberg, Fabian Ebeling, Jennifer Beck, Steffen Greiner, June Drevet, Kristina Kaufmann, Chris Möller, Rudi Nuss, Yoshiko Jentczak, Viola Kristin Steinberg, Yulia Wagner, Sarah Bergmann, Diana Decker, Ann-Kristin Ziegler, Mara Hofacker, Verena Mühlegger, Nastassja Boreyko, Lisa Dreier, Friederike Schneider, Hans-Jakob Gohr

Die Epilog, Ausgabe 5 – Hätte, könnte, wollte — Leben im Konjunktiv

Bequem, verwöhnt, unfähig und überfordert: So sind wir, erzählt man uns. Jetzt werden wir langsam alt. Die nächsten stehen schon parat. Wir verschwinden in der Schublade. Großes „Y“ drauf. Bevor es zu Ende geht, würden wir gern noch etwas klarstellen. Was die eigene Generation angeht, was den Begriff „Generation“ an sich angeht. In vier Kapiteln kommen Lebenspraktikant*innen, Bürgerskinder auf Ketamin, Vatermörder, Verweiger*innen zu Wort: Wir geben der Pluralität von Erfahrungen Raum, die jeder Generationsname verwischt.
Authors: Viola Kristin Steinberg, Fabian Ebeling, Jennifer Beck, Steffen Greiner, June Drevet, Kristina Kaufmann, Chris Möller, Rudi Nuss, Yoshiko Jentczak, Viola Kristin Steinberg, Yulia Wagner, Sarah Bergmann, Diana Decker, Ann-Kristin Ziegler, Mara Hofacker, Verena Mühlegger, Nastassja Boreyko, Lisa Dreier, Friederike Schneider, Hans-Jakob Gohr

Die Epilog, Ausgabe 6 – Wir kommen. Thema: Generation

Nichts ist sicher, außer! Wir sind umgeben von Tutorials, die uns zeigen, wie wir unser Leben strukturieren, möglichst effektiv Ziele erreichen und überhaupt wird suggeriert: Nur Loser sind planlos. Solange wir ein Ziel vor Augen haben, haben wir unser Leben im Griff. Diesem Planungsfanatismus in unseren Mikrokosmen steht allerdings der Verdacht entgegen, dass auf der Makroebene absolute Planlosigkeit herrscht. Alles nur Ablenkungsmanöver? Die Epilog Nr. 8 hebt den Kopf aus dem Flow der Stresserei, wir versuchen einen Überblick zu gewinnen, den man für die großen biografischen und politischen Lagen braucht.
Authors: Viola Kristin Steinberg, Fabian Ebeling, Jennifer Beck, Steffen Greiner, June Drevet, Kristina Kaufmann, Chris Möller, Rudi Nuss, Yoshiko Jentczak, Viola Kristin Steinberg, Yulia Wagner, Sarah Bergmann, Diana Decker, Ann-Kristin Ziegler, Mara Hofacker, Verena Mühlegger, Nastassja Boreyko, Lisa Dreier, Friederike Schneider, Hans-Jakob Gohr

Die Epilog, Ausgabe 7 – Quite important. Thema: Irrelevanz

Irgendwas geht immer. Was genau, ist jedoch nicht immer ganz einfach festzustellen. Erst recht nicht, wenn der Ursprung der eigenen Resignation nicht konkret zu fassen ist, wenn man ihn im unübersichtlichen, großen Ganzen vermutet. Die Gesellschaft scheint sich rasend schnell zu verändern und gleichzeitig kein Stück voranzukommen. Zumindest ist eine Richtung, in die es gehen soll, nur schwer zu erkennen. Noch lange kein Grund zur Resignation, entdecken wir mit unserer Debüt-Ausgabe.
Authros: Viola Kristin Steinberg, Fabian Ebeling, Jennifer Beck, Steffen Greiner, June Drevet, Kristina Kaufmann, Chris Möller, Rudi Nuss, Yoshiko Jentczak, Viola Kristin Steinberg, Yulia Wagner, Sarah Bergmann, Diana Decker, Ann-Kristin Ziegler, Mara Hofacker, Verena Mühlegger, Nastassja Boreyko, Lisa Dreier, Friederike Schneider, Hans-Jakob Gohr

Die Epilog, Ausgabe 1 – Nicht resignieren! Irgendwas geht immer.

Hermann Hesse schreibt recht verführerisch, es sei der Anfang, dem ein Zauber innewohnt. Bei Die Epilog ist hingegen die Fortsetzung magisch verfunkelt. Diese Ausgabe widmet sich einem Thema, das nach dreihundert Jahren Aufklärung eigentlich keines mehr sein sollte: dem Übernatürlichem, dem Geheimnis. Bei einem Blick unter die prosaische Oberfläche der modernen Gesellschaft haben wir Phänomene und Gewohnheiten gefunden, die unser rationales Selbstverständnis herausfordern. Sind wir wirklich so aufgeklärt, wie wir denken?
Authors: Viola Kristin Steinberg, Fabian Ebeling, Jennifer Beck, Steffen Greiner, June Drevet, Kristina Kaufmann, Chris Möller, Rudi Nuss, Yoshiko Jentczak, Viola Kristin Steinberg, Yulia Wagner, Sarah Bergmann, Diana Decker, Ann-Kristin Ziegler, Mara Hofacker, Verena Mühlegger, Nastassja Boreyko, Lisa Dreier, Friederike Schneider, Hans-Jakob Gohr

Die Epilog, Ausgabe 2 – Die Wiederverzauberung der Welt

Seit fast einem Jahrzehnt ist der Protest nicht mehr nur Thema linker (Retro-)Theorie-Debatten, sondern hat mit und nach dem Arabischen Frühling auch wieder den Weg aus dem Ende der Geschichte zurück in die Weltöffentlichkeit gefunden. Seine Themen sind so vielfältig wie seine Ausdrucksformen: Von der Twitter-Nachricht bis zum Sturm aufs Parlament verbreitert sich das Protestspektrum täglich. Doch welche Kräfte und Motive verbergen sich hinter den konkreten Themen und Aktionen? Was hält den Protest zusammen? Und wer ist eigentlich diese kindliche Rebellin?
Authors: Viola Kristin Steinberg, Fabian Ebeling, Jennifer Beck, Steffen Greiner, June Drevet, Kristina Kaufmann, Chris Möller, Rudi Nuss, Yoshiko Jentczak, Viola Kristin Steinberg, Yulia Wagner, Sarah Bergmann, Diana Decker, Ann-Kristin Ziegler, Mara Hofacker, Verena Mühlegger, Nastassja Boreyko, Lisa Dreier, Friederike Schneider, Hans-Jakob Gohr

Die Epilog, Ausgabe 3 – Protest. Brauchen wir den Aufstand?

Die Menschen am Bauhaus waren offen und experimentierfreudig, damit haben sie sich aber auch viele Feinde gemacht: Dieses Buch erklärt dir, warum das so war. Nach der Schließung der Schule 1933 in Berlin zogen einige Bauhäusler:innen von Europa auf andere Kontinente. Wohin gingen Paul Klee, Mies van der Rohe, Anni Albers, Marcel Breuer, Fiedl Dicker und Arieh Sharon? Warum fanden ihre Entwürfe von schicken Bauhaus-Lampen, praktischen Möbelstücken oder eckigen Häusern auch in anderen Ländern viel Anklang? Wusstest du, dass Hannes Meyer, Marianne Brandt und Lilly Reich nach dem Ende des Bauhauses auch für Projekte in Moskau, Peking und Chicago gearbeitet haben? Und dass Paul Klee einer der Ersten war, die loszogen, um Inspirationen außerhalb Deutschlands zu sammeln? Er hat von seinen Reisen nach Kairo, Luxor und Assuan eine orientalische Farbpalette mitgebracht und beeindruckende Motive wie aus „Tausendundeiner Nacht“. Folge den Spuren der zehn ausgewählten Bauhäusler:innen und du wirst staunen: Die Bauhäusler:innen haben ihr Bauhaus in fast allen Ländern der Erde berühmt gemacht.

Children's book

Mit dem Bauhaus um die Welt. Folge den Spuren berühmter Bauhäusler

Expressionismus, Impressionismus, Surrealismus, Kubismus, Fauvismus und abstrakte Malerei: Bei diesem kreativen Streifzug durch die Kunstgeschichte können Kinder aktiv in unterschiedliche Stilrichtungen eintauchen und Malweisen und Techniken wie Pointillismus oder Action Painting ausprobieren. Auf knallbunten, zum Malen anregenden Buchseiten lassen sich schöne Werke gestalten. Währenddessen prägen sich die verschiedenen Strömungen zeitgenössischer Kunst, zum Beispiel Mexikanischer Muralismus und Graffiti, leicht ein. Oder die Künstlergruppen Cobra und De Stijl. Mit Wasserfarben, Filzstiften oder Ölkreiden lassen sich tolle Werke produzieren, ebenso können Kunstlehrer hier Ideen für die praktische Vermittlung von Kunstgeschichte finden. Die ausklappbare Zeitleiste am Ende des Buches zeigt chronologisch die Kunstepochen und wichtigsten Künstler von Edgar Degas bis Banksy, Damien Hirst und Shepard Fairey.

Moderne Kunst Activity-Buch. Zeichne, male und kritzle dir deinen Weg durch die Kunst

Wenn wir unser eigenes Zuhause wählen könnten, wie würde es aussehen? Die meisten Häuser haben Wände, einen Boden und eine Decke, Fenster und Türen. In diesem Buch werden zehn erstaunliche landestypische Arten von Behausungen vorgestellt, die ganz anders sind, als hier in Deutschland. Wie lebt es sich während des Monsuns in einem Stelzenhaus in Kambodscha? Wie gemütlich schläft man im eiskalten Iglu in Kanada? Macht es Spaß, in einer Windmühle in Holland zu sein? Oder ist es spannender, mit einer Jurte und einem Yak kreuz und quer durch die Mongolei zu reisen? Es gibt viele Orte, an denen man sich zu Hause fühlen kann: in einem alten deutschen Schloss, im coolen New Yorker Wolkenkratzer, im schaukelnden Hausboot in London oder mit Tieren in einem stillen Wohnhof in China. Dieses Bilderbuch ermöglicht in zehn detailliert illustrierten Szenen einen Blick in die Lebensräume mehrerer Kulturen.

title	The Big Art N More Book
author	Art N More (Paul Bowler & Georg Weißbach)
pages	300
size	17x24
language	dt./engl.
price	27 €